Intervenciones mínimas en el Museo de Arte español Enrique Larreta Se trata de un programa en donde se exhiben obras de artistas contemporáneos en diálogo con la colección permanente del museo en donde el visitante pueda encontrar obras que le remitan a temas, técnicas, materialidades y planteos visuales en relación con una colección histórica sin interferir con el recorrido habitual de las salas.
Los artistas seleccionados para esta primera intervención son Inés Raiteri, Jorge Miño y Pablo Lapadula, quienes intervienen la Sala Escritorio durante los meses de verano del 2023/2024. Los tres artistas exhiben obras que remiten a la arquitectura del museo, al universo literario de Enrique Larreta y a la tradición del tapiz y de obras bordadas en la colección.
Inés Raiteri exhibe sus últimas obras, figuras bordadas en hilo de seda azul sobre opalina, basadas en el concepto japonés de semamoris. Esta práctica alude a los bordados en la ropa de los bebés y los niños como una manera de protección. Se creía que el alma residía en la espalda y al estar indefensa por no contar con los ojos, las madres colocaban los símbolos bordados en la parte posterior de las vestimentas de sus hijos. Son bordados que funcionan como un talismán que pueden tener la forma auspiciosa de una grulla, un pino, una flor o el genkiko (un marcador en el juego de memoria del incienso), a la manera del ojo árabe o los amuletos que las culturas orientales usan para atraer la buena fortuna y alejar los males Inés realizó varios patrones que, según sus palabras, aluden a historias protectoras con sus seres queridos, una artista que borda mensajes como rezos para estar amparados.
Jorge Miño es fotógrafo. En este caso presenta un conjunto de calados sobre papel que parten de sus propias producciones fotográficas. Son relieves que realiza con una máquina de corte y que incluyen aproximadamente unas 500 hojas caladas con una imagen fragmentada de la misma toma. Replica una representación arquitectónica sin ornamentos y nos la muestra en una escala reducida, otorgándole intimidad y sensibilidad a diferencia de sus obras de gran formato.
Pablo Lapadula experimenta con humo, estos trabajos que presenta son los primeros estudios formales en donde aborda su materialidad. El humo en clave poética en contraposición a lo formal representado por el dibujo en lápiz. Pablo, científico y artista, decide trabajar en estas piezas con grafito que es el mismo elemento que el humo. Uno, en formato carbón y el otro, en forma de tizne se entrelazan en un pequeño diálogo muy sutil sin que uno eclipse al otro. Un mismo material en distintos estados: de lo sólido a lo inasible y fugaz, “de la caligrafía a la elocuencia del lenguaje poético que no es literal” citando sus palabras.
Recomendación de Editora : La Reconquista del Cuarto de Larreta
Por pedido del público re armaron el dormitorio guardando celosamente hasta el más minimo de los detalles teniendo en cuenta que Larreta escribia en la cama. Esta vez tomaron la decisión de armar la más completa de las escenografías con todas las piezas que estan en el museo: su cama de bronce, sus muebles de caoba, el telefono de baquelita negra, el secreter, su escritorio y una ventana que da al jardìn, que en realidad es una pantalla de televisión.
El Jardín del Museo es un paraíso en miniatura y un hermoso lugar donde perderse por un buen rato dejando atrás nuestra ruidosa ciudad.
Que tengan una buena vida llena de cosas lindas para ver y disfrutar como los Museos de la Ciudad de Buenos Aires!.
Fuentes: Museo de Arte Español, Fotos: Museo de Arte Español y Pato Sclocco con iPhone 13.
Comparto con ustedes las noticias de lo que esta pasando en Miami Art Basel de la mano de una nota de Marcela Costa Peuser.
Arte argentino en Miami
La Semana del Arte 2023
por Marcela Costa Peuser
La primera semana de diciembre la ciudad del sur de Florida se convierte en una plataforma internacional para la difusión y visibilidad del arte del mundo. Una veintena de galerías de nuestro país participan en las distintas ferias –Art Basel, Pinta, Untitled y N.A.D.A.– para poner en valor el trabajo de los artistas argentinos
Art Basel Miami Beach De esta feria participan las galerías Barro, Isla Flotante, Jorge Mara – La Ruche, Rolf Art y Ruth Benzacar.
Barro exhibe obras de Joaquín Boz, Matías Duville, Lucrecia Lionti y Mondongo«que orbitan en torno a la productividad, su fuerza inmanente y su cualidad humana, y la relación que estas establecen con un entorno, un contexto tanto social como natural»; Isla Flotante participa de la sección Positions con un solo show de Tobias Dirty titulado La parte de atrás. Las galerías Ruth Benzacar y Jorge Mara – La Ruche, participan del sector Principal. Ruth Benzacar exhibe obras de 4 artistas de la pampa argentina: Mariana Telleria, Chiachio & Giannone, Carlos Herrera y Roberto Aizenberg. El stand presenta «un enfoque sobre la espiritualidad y las geometrías sagradas en relación con la rica cultura material de esta región donde confluyen las modernidades andina y atlántica». Mora Bacal, directora de la galería vive con mucho entusiasmo esta feria. “Estamos especialmente contentas con nuestro stand, la curaduría que pensamos y la repercusión que está teniendo”, confiesa. “Ya tenemos varias ventas confirmadas entre ellas a instituciones lo que confirma la fuerza de nuestra propuesta”.
Ruth Benzacar exhibe obras de 4 artistas de la pampa argentina: Mariana Telleria, Chiachio & Giannone, Carlos Herrera y Roberto Aizenberg.
Jorge Mara – La Roche exhibe una selección de obras de los artistas Juan Batlle Planas, Kazuya Sakai, León Ferrari, Sarah Grillo, Eduardo Stupía, Ana Sacerdote y César Paternosto, cuyas poéticas están involucradas con la palabra, el signo gráfico escritural y caligráfico. “El primer día fue muy bueno”, aseguró entusiasmada Nelly Mara. “Cerramos una operación de una obra de Sarah Grilo y un dibujo de Aizenberg que se exhibe en un Kabinett de dibujos que es un lujo.” Rolf Art, cuenta con doble presencia en la feria: por un lado, presenta en el sector Survey – en el que 17 galerías internacionales que destacan prácticas artísticas de relevancia histórica, con obras creadas antes del año 2000- un homenaje a la artista Liliana Maresca a 30 años de su fallecimiento. El proyecto de exhibición busca reivindicar el legado de Maresca reuniendo una cuidadosa selección de sus obras mas destacadas, que la artista realizó en colaboración con el fotógrafo Marcos Lopez (1958, Argentina): Liliana Maresca con su obra (1983) y Imagen Pública – Altas Esferas (1993). En el sector Meridians Rolf presenta un solo show del artista argentino y activista de Derechos Humanos Marcelo Brodsky.
Rolf en la sector Survey con un homenaje a Liliana Maresca
Pinta Miami Por segundo año consecutivo, Pinta Miami -la feria focalizada en el arte de Latino América- se explaya en The Hangar en Coconut Grove, un espacio que solía ser base de Pan American. Hoy, el espacio conserva su funcionalidad y combina elementos de la naturaleza, la vanguardia y el arte, en esta zona única de Miami. Este año celebra su 17º edición y cuenta con la curaduría general de Irene Gelfman, la nueva curadora global de Pinta Art, quien además desarrolló la propuesta de RADAR; Giuliana Vidarte es la curadora de NEXT; Félix Suazo es curador diversos proyectos especiales en el exterior de la feria y el arquitecto Daniel Fischer quien desarrolló el display espacial de la feria . Con visión y creatividad, estos reconocidos curadores trabajan para destacar las voces de los artistas, la diversidad de las galerías y celebrar el imaginario latinoamericano americano.
Inauguración en Pinta Art Miami
Participan en Pinta más de 15 países y, entre las galerías argentinas están Pabellon 4 Arte Contemporáneo y Sasha D Espacio de Arte en la sección Principal. La sección Next exhibe 5 galerías: Crudo Arte Contemporáneo, Subsuelo Galería de Arte y, se presentan por primera vez, las galerías: Moria, The White Lodge y Valerie´s Factory. Pabellón 4 Arte Contemporáneo participa por sexto año consecutivo y en esta oportunidad con los artistas Eduardo Rodríguez, Perla Benveniste, Carlos Cruz Diez, Dino Bruzzone, Paula Otegui, Jimena Fuertes, Andrea Tregear y Paula Sende. Para su director, Néstor Zonana, “Pinta arranca con una magnífica edición -por segunda vez- en esta locación en Coconut Grove con un público muy entusiasmado y participativo lo que indica que será un gran año para las galerías.” Sasha D Espacio de Arte cuenta con la presencia de los Luciano Colman, Luis Wells, Pablo Vitali, Ike Tashiro y Pablo Morgante. Para Alejandro Dávila, su director, “recorrer la feria uno se encuentra con propuestas que abarcan diferentes miradas, lo que hace a PINTA una feria integral con una participación Latina importante. La inauguración resultó un éxito de concurrencia, con coleccionistas interesados en las las obras y sus valores, y se concretaron operaciones. Hay muchas expectativas y confiamos en el excelente trabajo de convocatoria que realiza el equipo de PINTA».
Pabellón 4 con obras de Paula Otegui, Dino Bruzzone y Andrea Tregear y los Maestros Cruz Diez, Eduardo Rodríguez y Perla Benveniste
Crudo Arte Contemporáneo presenta a los artistas Nicole Mazza y Egar Murillo y Subsuelo Galería de Arte exhibe a Beatriz Trepat y Alicia Nakatsuka. Por su parte, Moria Galeria exhibe obras del artista Santiago Paredes. En el stand de Valerie´s Factory participan Julieta Proto Boca y Trinidad Metz Brea. The White Lodge presenta obras de los artistas Rosa Mercedes González y Pablo Peisino. Para Georgina Valdez Cristofani, su directora, “Pinta no es una feria más, sino que al estar anclada en el mercado americano que es muy potente y dentro de una ciudad como Miami, está tocando un tema que es central que es la vida y el arte de Latino américa y esto es un valor diferencial muy fuerte en un contexto donde hay una escena internacional con enormes jugadores. Miami es una ciudad clave dentro de EEUU y Pinta es una feria clave en este contexto.”
Untitled Art La emblemática carpa está instalada sobre la playa en Ocen Drive, donde participan más de 200 galerías, en un ambiente de mucha luz y alguna vista sobre el mar, entre las que estan las galerías Pasto Galería, que presenta a Santiago Licata y Herlitzka & Co. presenta a Hernán Marina. Para Mauro Herlitzka, «esta feria lleva propuestas de galerías de todo el mundo de artistas jóvenes o de mediana carrera, con la asistencia de público variado, y un coleccionismo sobre todo americano, cuyos compradores están entre los 35 y 50 años con interés en aprender y a veces acompañados de sus asesores. Presentamos obras recientes de Hernán Marina y a la fecha hicimos algunas ventas esperando en estos tres días de feria concretar otras más.»
La Galería Constitución exhibe al artista Martín Farnholc Halley. En el caso de Vigil Gonzalez, presenta una exhibición individual del artista Karlo Andrei Ibarra; ambas galerías se presentan por primera vez en esta feria. Para este último, «» La feria, Untitled, ha presentado una propuesta curatorial sólida. Las ventas se han mantenido constantes a lo largo de todos los días, y lo más significativo es que he logrado establecer conexión con una audiencia nueva.»
Vigil Gonzalez, presenta una exhibición individual del artista Karlo Andrei Ibarra
Por último, la galería Calvaresi participa de la feria N.A.D.A. en la sección Principal con obras de los artistas Sebastián Mercado y Luis Ouvrard.
En el marco del Plan de Promoción Comercial Exportarte Argentina, Meridiano junto al Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto, y el Consulado Argentino en Miami realizan una misión comercial en la Semana del Arte ~ Miami, 2023. La misma incluye: el desarrollo de una estrategia de inteligencia y curaduría comercial para la identificación de contrapartes de negocios según el perfil de las Galerías de Arte Argentino participantes, a cargo de la curadora Benedicta M. Badia; y la realización de visitas guiadas exclusivas para las contrapartes identificadas por los stands de las galerías argentinas.
Mi vida de estudiante de Letras era una eterna buqueda del tesoro de libros. Tenía un circuito chico formado: El profesorado en Av. Córdoba y Riobamba, La Biblioteca del Maestro en el Pasaje Pizurno 953 y Clásica y Moderna Callao 952; el grande Av Callao desde Corrientes hasta Libertad, los puestos de libros de Plaza Italia y los de Tribunales. Los rara avis se conseguían en la Feria del Libro.
Clásica y Moderna, Entonces
Clásica y Moderna era mi lugar obligado; bajaba del colectivo en Córdoba y Callao y me daba una vueltita antes de entrar a clase. Me fascinaba la cantidad interminable de libros que podía espiar sin que nadie me interrumpiera, el color gris claro de sus paredes y la señora que atendía, Natu, que amorosamente buscaba las figuritas dificiles y me orientaba sobre que más podía leer para entender el concepto que proponía el autor pero, por sobre todas las cosas, con su charla precisa siempre me daba más pistas y sentido a mis busquedas sobre esas obras que me fascinaban.
Cuando terminé la cursada a finales del ’82, deje de ir. Al año siguiente ya se había convertido en ese lugar icónico que todos conocimos y que parece que ahora recuperaremos. Volví un par de veces a tomar algo, la propuesta era magnifica, pero yo extrañaba esas paredes grises, el silencio profundo y ese olor a papel viejo y tinta seca.
La Historia
La librería y café se remontan a 1916, cuando Emilio Poblet Diez abandonó Madrid para llegar a una Buenos Aires próspera, que se abría a los extranjeros como un escape a una Europa sumida en la Gran Guerra. Parte de esta historia, sobre aquel viaje, aquellas sueños y la tristeza de la pérdida puede leerse en La cuna verde, libro publicado por el 75 aniversario de la librería.
Sus hijos Emilio, Francisco y Ricardo se unen a su padre, quien abre diferentes librerías sobre la avenida Callao bajo el sello Poblet Hnos. En 1938 se produce la separación que daría vida a Clásica y Moderna, cuando Francisco Poblet se separa de la sociedad familiar para encarar un proyecto propio y funda, junto a su mujer, Rosa Ferreiro, la librería que se convertiría con 80 años de historia, en un emblema de la cultura porteña que fue un faro de encuentro de personalidades destacadas de la cultura como Bernardo Houssay, Mariano Castex, Alfonsina Storni, Alfredo Palacios, Jorge Luis Borges, David Viñas, Alicia Steimberg, Silvia Plager, Ana María Shua, Oscar Barney Finn, Graciela Dufau y Santiago Kovadloff.
Cuando en 1980 muere Francisco, sus hijos, Natu y Paco Poblet, toman el timón de lo que el filósofo Santiago Kovadloff denominó como «una universidad en las sombras» y comienza una época en donde las letras siguen siendo la figura principal, pero se suma el café-bar y los espectáculos nocturnos, que elevaron aún más su estatus mitológico.
La Buena noticia es que el Lunes 11 re abre sus puertas de la mano de Raquel Rodrigo, empresaria, docente y rescatista de lugares iconicos de Buenos Aires. Celebro de todo corazón el rescate y les deseo Exitos Totales en esta nueva aventura.
Que tengan una Buena Vida llena de Libros que siempre te llevan a lugares mágicos!
El libro cuenta con el registro de la técnica de cestería en chala de la artesana María del Carmen Troncoso de Paraná, Entre Ríos. Acercate a conocer esta iniciativa que aprovecha la chala que se descarta durante la producción del maíz y una técnica ancestral para confeccionar textiles y cesterías con valor simbólico y cultural.
Palabras de la autora
«El maíz es un cultivo fundacional en América «. Para las culturas originarias es parte inseparable del sistema de creencias. Es territorio, cuerpo, comunidad. En el Proyecto Chala realizo una operación semántica (sinécdoque), trasladando el valor simbólico del maíz a la chala. La chala aparece como un elemento de resistencia americana”.
El proyecto esta acompañado por el Fondo Nacional de las Artes y Matria Cultura de la mano de Roxana Amarilla.
Recomendación de Editora:
Conozco a Gaby desde la época del colegio secundario, fuimos compañeras de banco , y doy fe que su pasión por el mundo textil es desde aquella época en la que se la pasaba dibujando vestidos en todo momento.
Hoy me siento orgullosa de su trayectoria y de su compromiso con el rescate y puesta en valor de nuestro patrimonio cultural, esta vez mostrando la importancia de las artesanías en cestería hecha con la chala del maíz, uno de los alimentos que forman parte de la base de la trilogìa alimentaria de nuestro continente y el uso sustentable de sus fibras para la producción de piezas de uso doméstico, escultorico y textil.
El libro es lìndisimo, lleno de imágenes y textos que nos ayudan a entender y valorar nuestras raíces. Como es en formato E-Book esta disponible para todo el mundo, otro acto de generosidad de la autora. No se lo pierdan!!
Nació en Buenos Aires, Argentina en 1969. Se formó en dibujo y pintura con las artistas y profesoras Rosinés Monner Sans y Eva García, en la Escuela Taller de Guillermo Roux y en Taller CDE con Marina Cursi, Teresa Dermülher y Matías Ercole. Dio clases de dibujo y pintura en la cátedra de Medios Expresivos de la carrera de Diseño e Indumentaria en FADU-UBA. Actualmente su obra forma parte de Mar Dulce, una galería de arte contemporáneo, especializada en pequeños y medianos formatos, pintura, dibujo y técnicas mixtas. Mariana trabaja sobre la línea y el color, con tintas y pluma, acuarelas y grafifo, con imágenes orgánicas, que remiten a bosques, flores, una naturaleza con un tinte oriental, en paseos por espacios imaginarios por un mundo vegetal.
Estoy trabajando con tintas sobre papel, en formatos pequeños, aunque un par de trabajos tienen más de 1m x 70 cm. Cuando comienzo una obra no tengo una imagen a la cual quiero llegar, empiezo desde la hoja en blanco con una línea o una mancha y voy descubriendo a dónde me lleva la mano y qué aparece en el papel. Estos últimos años me interesó mucho el mundo natural, los bosques, las plantas y el universo subacuático. También me fui acercando y tratando de conocer la cultura japonesa y eso aparece de alguna forma. Además de los dibujos y pinturas en tinta, estuve trabajando en tres cuadernos de obra, donde los dibujos se suceden página a página. Últimamente mi paleta de colores es muy reducidas y muy vibrantes, también uso mono cromo o blanco y negro.
Intento que aparezca una línea sensible, que se intuya la presencia de lo humano y trato de invocar, que se haga presente, la belleza. Busco esa posibilidad de la belleza en los detalles, lo sutil, lo apenas inquietante… Los blancos y el vacío tienen bastante peso en mis composiciones. Cuando dibujo o pinto el proceso es como de una meditación y especialmente cuando el trabajo es con pluma, siento que se refleja esa serenidad.
En general dibujo en silencio y puedo quedarme horas sentada sin darme cuenta. Pero también dibujo cuando escucho a otros hablar y les presto mucha atención, incluso cuando estoy aprendiendo algo. El dibujar me libera la mente y la calma, me permite concentrarme mejor, aunque esté haciendo dos cosas a la vez.
Opiniòn de Editora
La obra de Mariana siempre me remite a momentos de paz y de silencio; me lleva volando de la mano al arte japonés y me invita a la contemplación de lo sutil. Me sumerge en una explosión de color en la que me quiero quedar un rato largo.
En la visión indígena, el Día de los Muertos implica este transito de las ánimas, que regresan con los mortales para convivir con los familiares y compartir los alimentos que se les ofrece en los altares. Precisamente, en la época prehispánica el culto a la muerte era uno de los elementos básicos de la cultura: los cuerpos se envolvían en un petate y sus familiares organizaban una fiesta con el fin de guiarlo en su recorrido al Mictlán.
El origen de esta tradición proviene de esta conmemoración que los indígenas realizaban en tiempos prehispánicos junto a la celebración de los rituales religiosos católicos traídos por los españoles. Los antiguos mexicas, mixtecas, texcocanos, zapotecas, tlaxcaltecas, totonacas y otros pueblos originarios, adaptaron la veneración de sus muertos al calendario cristiano, la cual coincidía con el final del ciclo agrícola del maíz.
De acuerdo con el calendario católico, el 1 de noviembre corresponde a Todos los Santos, día dedicado a los “muertos chiquitos” o niños, y el día 2 de noviembre a los Fieles Difuntos, a los adultos.
Altar del Día de Muertos en el Zócalo en la Ciudad de México.
Aunque cada región mexicana tiene sus propias tradiciones, todas tienen rasgos en común. Una de las más importantes es la colocación de altares. En ellos no faltan los pétalos de cempasúchil (cempoalxúchitl), las velas y comida como el pan de muerto, hecho a base de maíz y otros vegetales y muy típicos en las ceremonias y festividades prehispánicas. Actualmente, este pan se elabora con harina de trigo, azúcar, huevo y levadura y se adorna con figura de huesos cruzados a la que se le espolvorea azúcar.
En los altares también está presente el copal, una resina aromática cuyo humo se considera alimento de las divinidades celestes, así como objetos artesanales y los manjares favoritos del difunto, concretamente fruta, papel picado, siete platos con molenegro con siete montones de tortillas para los muertos adultos, piezas de pollo o guajolote cocido, tamales, café y chocolate calientes, un incensario conocido como tecolcaxit, agua bendita, la imagen del santo más importante y la imagen de los difuntos.
Otra de las características comunes es el adorno de las tumbas y los cementerios, que se llenan de flores y velas para honrar a los muertos. Es habitual que las familias coloquen ofrendas a lo largo del camino que va desde su casa hasta el cementerio.
Tuve la suerte infinita de vivir un año en México, de vivir experiencias fuertes e intensas como el chile habanero; de estudiar y tratar de entender sus costumbres parecidas al mole poblano con un mix de culturas ancestrales y una fuerte impronta de los conquistadores.
Una de las celebraciones que más me llamo la atención es la del día de muertos. La película Coco nos develo en tonos cálidos y con muy buena Música bien charra, una historia de amor, celos encuentros y desencuentros de la típica familia mexicana.
Para saber un poco mas, no te quedes ni con las Calaveras de azúcar ni con las guirnaldas de papel. Es una excelente manera, de por lo menos una vez al año, recordar a los tuyos que ya se fueron, pero que son los que le dan acerbo y tradición a tu vida y que de alguna manera siempre te acompañan.
Celebrar la vida recordando y honrando a nuestros antepasados, hoy más que nunca, le da sentido a la forma de trascender.
El “Premio al Lujo Sostenible en América Latina” es una distinción de carácter exclusivamente sociocultural –organizado por el Centro de Estudios para el Lujo Sustentable-, cuyo propósito es reconocer anualmente la combinación de estética, belleza y calidad en la artesanía en el universo del lujo en Latinoamérica. La artesanía promueve la diversidad cultural y establece un profundo sentido de la pertenencia. Los participantes son artesanas y artesanos de Latinoamérica que -teniendo en cuenta lo anterior- preserven la cultura y las tradiciones locales. La artesanía tiene que ver con productos realizados a mano, basados en el savoir faire de un grupo selecto de artesanos que preservan las técnicas tradicionales y únicas de manufactura. La artesanía es la escencia del lujo sostenible.
Este año fue la undecima edición de este premio liderado y creado por Miguel Angel Gardetti, que realiza un trabajo inmenso por la conservación y la visibilización del patrimonio de nuestra región y la preservación de nuestro acervo cultural, en colaboración con Daniel Joustard, francés de origen, quienes apuestan incansablemente al desarrollo y la conservación de la tradiciones milenarias de las culturas actuales y precolombinas latinoamericanas.
Durante toda la entrega de premios se vivió un clima de orgullo y reconocimiento por nuestras tradiciones ancestrales de todo Latinoamérica; hoy más vigente y renovada que nunca.
Aquí el Jurado:
Los Ganadores de este año son:
Categoría Arte en Cerámica
La Maestra Magdalena Pedro Martínez es oriunda de Oxaca. Utilizó la técnica ancestral de más de 2500 años de cocción de reducción de oxígeno para hacer esta maravillosa pieza de barro que representa los trajes típicos de las mujeres de su pueblo.
Categoría Arte en Metal
Es orfebre y artista contemporáneo Rioplatense. Utilizó piezas recuperadas de plata 925 para la realización de este plato divino . La obra se puede visitar en su Galería de arte en la Plaza Dorrego en el barrio porteño de San Telmo. No se lo pierdan!!
Categoría Arte Textil
Esta pieza superlativa del arte textil peruano representa los espacios mágicos y religiosos de la cosmovisión andina. El tapiz tiene una medida de 120×150 y esta realizado en Alpaca y Algodón. El manejo del color y de la imagen le valió una muy merecida comparación con la casa Los Gobelinos de Francia. El Maestro Alfonso Sulca Chávez es oriundo del pueblo de Ayacucho (Perú) cuna de la Artesanía de su pais donde residen y trabajan más de 360.000 artesanos de los cuales el 75% son mujeres que no solo trabajan por la sostenibilidad económica de la comunidad, sino también por la sostenibilidad cultural como mencionó Madelaine Burns en sus palabras de Apertura.
Categoría Arte en Madera
El increíble nivel de detalle de este «Estudio de una nuez» realizado por el artista argentino Rubén Rodriguez, quien se inspiro en la topografía de la patagonia para su realización y utilizó madera de un árbol de radal, nativo de nuestro país, que se había caído en una tormenta. Su obra fue exhibida en la exposición de MATRIA y en este momento esta en una galería en Paris.
El Premio
Como ya nos tiene acostumbrados nuestra artista invitada Alejandra Gubinelli, el premio es una de sus obras realizada en vitrofusión con vidrio recuperado, rindiendo tributo a los Pueblos Originarios de toda Latinoamérica.
Felicitaciones a todos los ganadores y a los organizadores. Fue un placer enorme acompañar esta entrega de premios y poder compartir con todos ustedes un poco más del inconmesurable patrimonio de lujo que tenemos a nuestro alcance .
Que tengan una Buena Vida llena de Lujo Sostenible!!
